P.B.: Ma sarà necessariamente una ricostruzione incompleta...

M.B.: Certamente incompleta, ma emblematica della memoria che si cancella. Alcune parti saranno probabilmente danneggiate, altre perse per sempre... Ma questo fa parte del meccanismo della memoria collettiva.
Ognuno è depositario di un’esperienza individuale, simbolicamente raffigurata da una parte del quadro, parte che, per quanto piccola entità astratta ricavata da un’opera figurativa, rappresenta l’appartenenza all’evento.
Attraverso la ricostruzione del quadro intendo sottolineare la necessità di alimentare la memoria e di affermare che di fronte agli eventi tragici della storia, quello che conta prima di tutto è la solidarietà, la necessità di trovare un accordo fra la gente per arrivare a qualcosa di costruttivo.
Il progetto mette dunque in scena una rappresentazione metaforica e rituale dell’azione distruttiva dell’uomo insieme alle possibilità di ricostruzione attraverso la memoria.

P.B.: In questo lavoro si intravede una nuova dimensione rispetto alla tua opera precedente: c’è una presa di posizione nei confronti della storia dell’umanità.

M.B.: Sì. Ho cominciato la realizzazione di “Hiroshima” all’epoca della guerra in Afghanistan, ma non ho voluto fare un lavoro direttamente legato a questo paese.
Ho preferito lavorare su una tragedia del passato, che mi permettesse implicitamente di esprimere il mio disaccordo di fronte agli avvenimenti del presente.
Sono nato nel 1970 e sono cresciuto in un paese in cui ci hanno insegnato il rifiuto della guerra. Ma a quanto pare oggi la situazione è cambiata. È per questo che ho sentito la necessità di parlarne, di far luce sul presente attraverso il passato e, in un certo senso, di esorcizzarlo.

P.B.: Cosa ti ha dato, il fatto di lavorare su un quadro dal formato così inabituale?

M.B.: Per la prima volta nella mia carriera, ho lavorato su di un quadro che era troppo grande per essere visto nella sua integralità, quindi in un certo senso mi sono sentito come l’acquirente che avrebbe visto a casa sua solo una parte dell’opera. Ho dunque dovuto lavorare immaginando il risultato finale.
L’ho visto per intero solo alla sua prima esposizione a Padova nel 2003. Fino a quel momento, non avevo un’idea precisa del risultato finale. Ero costretto a non concentrarmi troppo sul dettaglio e a tener sempre presente l’insieme dell’opera.

P.B.: In che modo “Hiroshima” ha fatto evolvere la tua pittura?

M.B.: Prima di tutto, rispetto alla precedente serie delle crocifissioni, è un ‘opera più “ottimista”, anche se puo’ sembrare paradossale. Hiroshima è un soggetto molto delicato, avevo paura di parlare di qualcosa che non conoscevo, poichè non l’avevo vissuto.
Per me era importante commemorare e allo stesso tempo dare un messaggio di speranza da parte di un artista che non ha mai vissuto il dramma della guerra. Ho cercato di rendere leggibile tutto questo attraverso il colore; quest’ultimo elemento rappresenta l’energia che circola, la vita che controbilancia la morte.
In realtà, la scelta di utlizzare molti colori per dipingere delle rovine, è un’idea che mi è stata suggerita da un passaggio di Se questo è un uomo, di Primo Levi, che descrive il tramonto su un campo di concentramento. Il contrasto fra la bellezza del cielo e lo squallore assoluto di Auschwitz sottolinea perfettamente la totale indifferenza della natura ai drammi umani, contrariamente all’atteggiamento “espressionista”, che consiste nel rappresentare una natura partecipe, atteggiamento che volevo evitare.

P.B.: Dopo “Hiroshima” sei rimasto concentrato sul tema delle rovine. Perché?

M.B.: Ho continuato il lavoro che avevo cominciato con “Hiroshima”, e ho dunque realizzato una serie di quadri su Dresda.
Entrambe sono città emblematiche della follia distruttiva: Hiroshima è la prima bomba atomica, mentre Dresda che è stata bombardata dalle forze alleate nel ’45, era una città d’arte, non necessariamente un obiettivo militare.
In seguito, ho realizzato alcuni quadri su Varsavia, Caen, ed altre città distrutte nel corso della seconda guerra mondiale.
Dopo “Hiroshima”, avevo il desiderio di fare dei quadri dal formato “accessibile”, rappresentanti delle strade ingombre di macerie, che suggerissero un cammino attraverso le rovine, mentre “Hiroshima” ha l’ambizione di rappresentare tutto un paesaggio, a 360 gradi. In entrambi i casi, comunque, quello che mi interessa è mostrare la follia umana, il suo potere di devastazione senza limiti. Il mio lavoro di artista consiste anche nel dare forma all’assurdità e al caos.

P.B.: Cosa ti attrae nell’idea di dare una forma al caos?

M.B.: Il caos è un concetto ambivalente in cui coabitano la rappresentazione della distruzione e la possibilità di una ricostruzione, è il momento in cui la vita e la morte si ricongiungono. In esso la fine e l’inizio si confondono; nei miei quadri il caos è rappresentato dalle rovine, quindi da immagini di distruzione, ma è proprio di qui che la vita ricomincerà.
Credo di mettere l’osservatore davanti ad una scelta, ha la possibiltà d’interpretare l’immagine in maniera ottimistica o meno. In questo senso l’aver posizionato in primo piano le strade è emblematico di questa scelta. Contrariamente a quanto ho fatto con la serie dei crocifissi, in queste opere, ho cercato espressamente che le immagini fossero sufficientemente ambigue da prestarsi ad una duplice interpretazione.